lettres de la campagne
Titre du blog :
lettres de la campagne
Auteur: sorel (contact)
Description:
notations, réflexions, souvenirs autour de l'art et la littérature
Créé le: 17-05-2008
Vefblog.net
Créé ton blog gratuitposté le 31-03-2010 à 09:50:49
Olivier Brice et les armoires de la sacristie.
Si l'atelier en dit long sur celui qui en a fait son laboratoire de création, celui d'Olivier Brice dénonce son appétit extraordinaire qui est souvent la marque du grand artiste. L'accumulation des oeuvres en cours, celles qui ont trouvé leur finalité, et les matériaux de celles qu'il envisage d'aborder, se confondent dans un mélange de "cabinet de curiosité".
Après avoir un peu erré à la recherche de son droit chemin créatif Brice s'est axé sur l'enveloppement de statues dont la plupart provenaient de la Chalcographie du Louvre (dont il a été un client frénétique).
C'était l'axe de sa démarche, un affrontement direct avec une oeuvre du passé. L'enveloppement (il était pratiqué, dans le même temps par Christo), avait de multiples fonctions, et suscitait de multiples effets. Mise en valeur des formes proposées, ou, au contraire, mise en sommeil d'un geste évoqué, d'un symbole exposé. C'était la tactique du linceul qui a pour fonction d'envelopper jusqu'à la totale banalisation des formes et suggère poétiquement le grand voyage des morts. L'acte créateur de Brice s'organisait autour de cet enveloppement, il jouait de l'infinie diversité de ses effets, devenant une sorte de calligraphie gestuelle. Peintre, Brice aurait certainement pratiqué le "dripping" à la manière d'André Masson ou de Pollock, c'est à dire une sorte de danse (initiatique ?) autour de la toile posée au sol.
Autant que l'oeuvre terminée (l'enveloppe figée) comptait le temps de l''exécution. Il ne répugnait pas de travailler en public, retrouvant le climat festif du happening.
Seule la photographie pouvait alors en conserver le déroulement (comme il en sera pour les cérémonies de l'art corporel : Gina Pane et les viennois nombreux en ces années là). Une question s'impose alors. Ce cérémonial n'était il pas de caractère mortuaire. Il nous introduisait dans le canal terrifiant de la mort annoncée.
Les statuettes de Brice, dans leur armoire, font vaguement penser à ces objets de culte précieusement enfermés dans les sacristies. Ne serait-ce pas là la preuve qu'il y avait chez lui un pas vers une certaine religiosité de l'art ?
Après avoir un peu erré à la recherche de son droit chemin créatif Brice s'est axé sur l'enveloppement de statues dont la plupart provenaient de la Chalcographie du Louvre (dont il a été un client frénétique).
C'était l'axe de sa démarche, un affrontement direct avec une oeuvre du passé. L'enveloppement (il était pratiqué, dans le même temps par Christo), avait de multiples fonctions, et suscitait de multiples effets. Mise en valeur des formes proposées, ou, au contraire, mise en sommeil d'un geste évoqué, d'un symbole exposé. C'était la tactique du linceul qui a pour fonction d'envelopper jusqu'à la totale banalisation des formes et suggère poétiquement le grand voyage des morts. L'acte créateur de Brice s'organisait autour de cet enveloppement, il jouait de l'infinie diversité de ses effets, devenant une sorte de calligraphie gestuelle. Peintre, Brice aurait certainement pratiqué le "dripping" à la manière d'André Masson ou de Pollock, c'est à dire une sorte de danse (initiatique ?) autour de la toile posée au sol.
Autant que l'oeuvre terminée (l'enveloppe figée) comptait le temps de l''exécution. Il ne répugnait pas de travailler en public, retrouvant le climat festif du happening.
Seule la photographie pouvait alors en conserver le déroulement (comme il en sera pour les cérémonies de l'art corporel : Gina Pane et les viennois nombreux en ces années là). Une question s'impose alors. Ce cérémonial n'était il pas de caractère mortuaire. Il nous introduisait dans le canal terrifiant de la mort annoncée.
Les statuettes de Brice, dans leur armoire, font vaguement penser à ces objets de culte précieusement enfermés dans les sacristies. Ne serait-ce pas là la preuve qu'il y avait chez lui un pas vers une certaine religiosité de l'art ?
posté le 30-03-2010 à 14:33:25
Max Ernst découvre Ubu.
Les souvenirs d'enfa nce gravent des images qui surgiront ensuite. L'oeuvre de Max Ernst est toute entière la suite logique des chocs émotionnels qui jalonnent sa prise de conscience progressive de la réalité.
Son père va ainsi envahir son monde. Il le précise lui-même : "Un jour, à l'âge de puberté, en examinant la question de savoir comment mon père avait dû se conduire dans la nuit de mon engendrement, surgit en moi, comme réponse à cette question de respect familial, le souvenir très précis de cette vision de demi sommeil que j'avais oubliée." Patrick Waldberg, le plus crédible de ses biographes (parce qu'il était aussi son ami), suggère que "l'enfant avait dû surprendre un jour son père se livrant sur la personne de sa mère à des actes pour lesquels la pudeur exige le secret". La formule cache mal l'humour qui la sous-tend, mais le résultat est là. Ernst aura pensé à une formidable toupie tournant sur elle-même. Ubu s'est substitué à la toupie et, bientôt, fait corps avec elle. De la toupie à Ubu le chemin est court, d'autant que, pour Ernst, Jarry est un formidable catalyseur de son goût prononcé pour l'humour (qu'il partage avec André Breton).
Le chemin est court, logique, irréfutable, d'une image d'enfance jusqu'à l'oeuvre qui en découle.
On découvre ainsi la méthode de Max Ernst dont l'imagerie est fondue avec la découverte du monde qui passe par les fantasmagories, voire la simple contemplation d'un panneau de bois où subsistent les veines évoquant à une imagination ardente, ouverte, toutes les fantaisies (et les cauchemars) qu'elle peut inventer. On en retrouvera un écho dans l'incident conté par Ernst lui-même, se trouvant, un jour d'ennui, dans sa chambre d'hôtel à contempler les lames du parquet et d'y inaugurer la technique du frottage qu'il pratiquera avec délice et constance.
Son père va ainsi envahir son monde. Il le précise lui-même : "Un jour, à l'âge de puberté, en examinant la question de savoir comment mon père avait dû se conduire dans la nuit de mon engendrement, surgit en moi, comme réponse à cette question de respect familial, le souvenir très précis de cette vision de demi sommeil que j'avais oubliée." Patrick Waldberg, le plus crédible de ses biographes (parce qu'il était aussi son ami), suggère que "l'enfant avait dû surprendre un jour son père se livrant sur la personne de sa mère à des actes pour lesquels la pudeur exige le secret". La formule cache mal l'humour qui la sous-tend, mais le résultat est là. Ernst aura pensé à une formidable toupie tournant sur elle-même. Ubu s'est substitué à la toupie et, bientôt, fait corps avec elle. De la toupie à Ubu le chemin est court, d'autant que, pour Ernst, Jarry est un formidable catalyseur de son goût prononcé pour l'humour (qu'il partage avec André Breton).
Le chemin est court, logique, irréfutable, d'une image d'enfance jusqu'à l'oeuvre qui en découle.
On découvre ainsi la méthode de Max Ernst dont l'imagerie est fondue avec la découverte du monde qui passe par les fantasmagories, voire la simple contemplation d'un panneau de bois où subsistent les veines évoquant à une imagination ardente, ouverte, toutes les fantaisies (et les cauchemars) qu'elle peut inventer. On en retrouvera un écho dans l'incident conté par Ernst lui-même, se trouvant, un jour d'ennui, dans sa chambre d'hôtel à contempler les lames du parquet et d'y inaugurer la technique du frottage qu'il pratiquera avec délice et constance.
posté le 30-03-2010 à 11:57:55
Marie Antoinette sur le chemin du calvaire.
C'est à la mesure de la splendeur (un peu crispée) dans laquelle on l'aura célébrée qu'on montrera une Marie Antoinette allant à l'échafaud dans le plus misérable des appareils. Si David a su la croquer (d'une fenêtre placée sur le parcours, rue Saint Honoré) et donner là un des dessins les plus signifiants de l'horreur révolutionnaire, l'imagerie populaire va multiplier les fictions les plus larmoyantes, propres à diffuser la bonne parole, servir d'exemple, donner aux jeunes lecteurs une leçon d'Histoire qui va rejoindre les exigences de la morale.
Existerait-il une "morale historique" ? Nos livres de classe en sont le support, et selon l'orientation politique qui les parraine, ils donneront des personnages influant (sur le devant de la scène) qu'elle voit défiler un caractère conforme à un programme social donné.
D'où les incroyables avatars de Jeanne d'Arc dont tous les régimes se sont emparé pour en faire une figure en conformité avec les idées dominantes.
Marie Antoinette, parce qu'elle a une vie publique offerte à tous les regards (d'où ses retraits au Petit Trianon, eux aussi jugés non conformes à son statut de reine), et le mystère qui plane sur la réalité de sa vie sentimentale, ne peut échapper à l'imagerie qui façonne, selon les humeurs des journalistes, l'esprit des pamphlétaires, un personnage qui sera, tour à tour, gracieusement impertinent, dignement hautain, suavement maternelle (le portrait de Vigée-Le Brun), puis, dans la fièvre révolutionnaire, canaille dans l'alcôve, sorte de Méduse avide devant l'opinion qui la charge de tous les maux dont elle s'est nourrie. D'ailleurs peu représentée, comme tant de femmes de l'époque, comme le pivot d' aventures sentimentales. Elle est l'anti du Barry.
On ne peut que lui prêter des amants, en désigner pour satisfaire à la curiosité du public, mais elle reste cachée derrière la parade, le luxe et l'ostentation du pouvoir dont elle se doit d'être le plus charmant ornement.
Victime elle ne peut qu'être à l'excès la repentante, l'envers de ce qu'elle fut, une figure de la désolation.
Existerait-il une "morale historique" ? Nos livres de classe en sont le support, et selon l'orientation politique qui les parraine, ils donneront des personnages influant (sur le devant de la scène) qu'elle voit défiler un caractère conforme à un programme social donné.
D'où les incroyables avatars de Jeanne d'Arc dont tous les régimes se sont emparé pour en faire une figure en conformité avec les idées dominantes.
Marie Antoinette, parce qu'elle a une vie publique offerte à tous les regards (d'où ses retraits au Petit Trianon, eux aussi jugés non conformes à son statut de reine), et le mystère qui plane sur la réalité de sa vie sentimentale, ne peut échapper à l'imagerie qui façonne, selon les humeurs des journalistes, l'esprit des pamphlétaires, un personnage qui sera, tour à tour, gracieusement impertinent, dignement hautain, suavement maternelle (le portrait de Vigée-Le Brun), puis, dans la fièvre révolutionnaire, canaille dans l'alcôve, sorte de Méduse avide devant l'opinion qui la charge de tous les maux dont elle s'est nourrie. D'ailleurs peu représentée, comme tant de femmes de l'époque, comme le pivot d' aventures sentimentales. Elle est l'anti du Barry.
On ne peut que lui prêter des amants, en désigner pour satisfaire à la curiosité du public, mais elle reste cachée derrière la parade, le luxe et l'ostentation du pouvoir dont elle se doit d'être le plus charmant ornement.
Victime elle ne peut qu'être à l'excès la repentante, l'envers de ce qu'elle fut, une figure de la désolation.
Commentaires
1. Saintsonge le 30-03-2010 à 12:31:20 (site)
Domine, refugium factus es nobis, a generatione in generationem /ce chemin-là me rappelle que "les anciens du peuple tinrent conseil pour trouver le moyen de s'emparer adroitement de Jésus et le faire mourir... Ils vinrent armés de glaives et de bâtons, comme pour un brigand..Les prêtres et les pharisiens se réunirent en conseil pour s'emparer adroitement de Jésus et le faire mourir.. " Pour ces deux cas, je puis aussi dire qu' "au fond de moi-même, je sens mon coeur broyé et mes os se briser / Contritum est cor meum in medio mei ; contremuerunt omnia ossa mea... Voilà !
Pour une autre petite histoire de douleurs (quand je fus élève, tous mes livres de classe dont l'Histoire de France, savez-vous cher ami, je pensais que rien n'était vrai, que tout fut inventé comme d'un roman de Balzac, et déjà, je recherchai (à tort ?) l' Absolu, qui me guide encore... Taisez bien ce secret si aucun éditeur ne m'aide à me re-trouver, n'est-il pas , taisez-le bien ! Merci... Ah donc, c'était donc bien vrai, la Révolution, me dis-je vers... vingt ans (vous rendez-vous compte qu'en ayant, enfant, aucun interlocuteur réel, le rêve devint la matière de mes réalités, d'où phobie de la vie, sans doute...) Chuttt !
posté le 29-03-2010 à 10:31:51
Marie-Antoinette, derniers mots.
Il semblerait (du moins les historiens l'affirment) que ce sont les dernières lignes tracées, au seuil de la mort, par Marie Antoinette, ici si différente de celle que la légende nous a laissée. Coquette, capricieuse, vaniteuse, futile et bien dangereuse pour l'opinion si prompte à se scandaliser des attitudes irresponsables de ses maîtres.
On est à la Conciergerie, Marie Antoinette a été dépouillée de tous les artifices qui encadrent et décorent son pouvoir. Elle n'est plus qu'une prisonnière, une condamnée à mort qui se prépare entre la piété et la douleur à l'ultime épreuve (celle de la guillotine).
Elle se fabrique une silhouette totalement différente (opposée) de celle qui triomphait à Versailles dans le luxe et l'or ostentatoire quand le peuple peinait et souffrait, excitée dans l'expression de sa douleur par les démagogues qui tiennent le pouvoir et l'affirment dans les effets de manche, la parole enflammée, les gestes défiant l'ordre établi pour en préparer un autre.
La mort de Marie Antoinette c'était l'étape nécessaire pour ouvrir une ère nouvelle, promise au bonheur de tous.
Les mots ultimes d'une vie passant du triomphe au martyr. C'était sur les pages de garde d'un livre de prière nous dit-on. La prière des morts ne peut qu'avoir des accents déchirants.
On est à la Conciergerie, Marie Antoinette a été dépouillée de tous les artifices qui encadrent et décorent son pouvoir. Elle n'est plus qu'une prisonnière, une condamnée à mort qui se prépare entre la piété et la douleur à l'ultime épreuve (celle de la guillotine).
Elle se fabrique une silhouette totalement différente (opposée) de celle qui triomphait à Versailles dans le luxe et l'or ostentatoire quand le peuple peinait et souffrait, excitée dans l'expression de sa douleur par les démagogues qui tiennent le pouvoir et l'affirment dans les effets de manche, la parole enflammée, les gestes défiant l'ordre établi pour en préparer un autre.
La mort de Marie Antoinette c'était l'étape nécessaire pour ouvrir une ère nouvelle, promise au bonheur de tous.
Les mots ultimes d'une vie passant du triomphe au martyr. C'était sur les pages de garde d'un livre de prière nous dit-on. La prière des morts ne peut qu'avoir des accents déchirants.
Commentaires
1. mamzellejojo le 29-03-2010 à 11:11:44 (site)
c triste :(
2. Saintsonge le 29-03-2010 à 12:16:24 (site)
Billet haut sur le billot de l'Histoire dont le peuple Français semble amèrement regretter son Roy, Sa Reine, en son régicide ; ter-r-r-ible blanc-seing pour le bourreau, aussi..
Elle était déjà une dépouille avant d'y mourir , "dépouillée de tous les artifices" notez-vous, à juste titre, nous allons nus vers la mort, rien devant, rien derrière, rien dessus, rien dessous, rien à gauche, rien à droite, rien, parmi les "habitants du ciel", car nous sommes en exil sur terre (exilium vita est !), et, nous irons nus, dépouillés, comme Elle..
Esto, mater, nostrum solatium ;
Nostrum esto, tu Virgo, gaudium :
Et nos tandem post hoc exilium,
Laetos junge charis coelestium,
O Maria !
posté le 28-03-2010 à 15:12:16
Max Ernst dans la forêt.
La jeunesse de Max Ernst.
Comme Gustave Doré qui en gardera toute sa vie un souvenir vivace dont son oeuvre témoigne, Max Ernt découvre très jeune, avec son père, les mystères de la forêt et toute son oeuvre en décrit la fascination mêlée d'effroi. Il en peuplera sa peinture de monstres inquiétants, lèvera d'un pinceau minutieux, ardent, la magie et les rumeurs, les frissons et les jeux de lumière qui font de cette cathédrale végétale le décor de mutations bizarres, d'apparitions fascinantes, et quelque chose de la magie que dispense, dans toute l'étendue de ses registres sa peinture parce qu'elle est sans doute là au coeur de sa problématique.
C'est que la forêt faisait partie de son quotidien. Son père, peintre amateur, aimait s'y attarder (elle était toute proche du logement familial). Si bien que Max Ernst y pénétrant, pénétrait dans le secret paternel autrement figé dans son silence.
Max Ernst dévore le réel, son regard est celui gourmand du sensuel mais il arrache la peau qui recouvre les mystères du réel, va jusqu'à sa profondeur géologique, fantasmatique. Il fouille dans les ardeurs minérales, végétales et dresse ces prestigieux théâtres d'un monde d'au-delà les rythmes du temps, qui façonnent la réalité en ses splendeurs hautaines et inhumaines.
Au coeur de la forêt il n'y a pas (comme chez Gustave Doré) une princesse endormie mais des monstres dont on devine l'attentive présence. Seul le douanier Rousseau (qu'il n'ignore pas) ira se perdre dans ces zones périlleuses, mais avec une feinte bonhomie, le recourt à une naïveté qui est fort relative.
Comme Gustave Doré qui en gardera toute sa vie un souvenir vivace dont son oeuvre témoigne, Max Ernt découvre très jeune, avec son père, les mystères de la forêt et toute son oeuvre en décrit la fascination mêlée d'effroi. Il en peuplera sa peinture de monstres inquiétants, lèvera d'un pinceau minutieux, ardent, la magie et les rumeurs, les frissons et les jeux de lumière qui font de cette cathédrale végétale le décor de mutations bizarres, d'apparitions fascinantes, et quelque chose de la magie que dispense, dans toute l'étendue de ses registres sa peinture parce qu'elle est sans doute là au coeur de sa problématique.
C'est que la forêt faisait partie de son quotidien. Son père, peintre amateur, aimait s'y attarder (elle était toute proche du logement familial). Si bien que Max Ernst y pénétrant, pénétrait dans le secret paternel autrement figé dans son silence.
Max Ernst dévore le réel, son regard est celui gourmand du sensuel mais il arrache la peau qui recouvre les mystères du réel, va jusqu'à sa profondeur géologique, fantasmatique. Il fouille dans les ardeurs minérales, végétales et dresse ces prestigieux théâtres d'un monde d'au-delà les rythmes du temps, qui façonnent la réalité en ses splendeurs hautaines et inhumaines.
Au coeur de la forêt il n'y a pas (comme chez Gustave Doré) une princesse endormie mais des monstres dont on devine l'attentive présence. Seul le douanier Rousseau (qu'il n'ignore pas) ira se perdre dans ces zones périlleuses, mais avec une feinte bonhomie, le recourt à une naïveté qui est fort relative.
Commentaires
1. Saintsonge le 28-03-2010 à 16:07:37 (site)
J'ignore si vous avez remarqué, mais vos lunettes font pendant à un motif incrusté dans cette reproduction (en le coin haut du libre penché), tout ce qu'en dirait Ernst dans ses "poèmes visibles", en frottages et coupures de journaux dont la Forêt serait incluse dans "Eve, la seule qui nous reste", le symbolique sylvestre étant, sinon vaginal, vulvaire !... On traverse la forêt ainsi qu'un sillon de femme...
posté le 27-03-2010 à 15:53:40
L'effet jubilatoire du Surréalisme.
L'effet jubilatoire du surréalisme.
Dada voulait "tout casser", renverser la culture si vieille dans ses préjugés, son embourgeoisement, mais le caractère strictement négatif de l'entreprise avait fini par l'épuiser et le précipiter sur ses limites.
L'enfant de dada (ou sa suite logique) sera le surréalisme qui va conserver toute sa jeunesse d'esprit et son enthousiasme. C'était un mouvement de jeune, ça le resterait. D'ailleurs c'était pratiquement les mêmes acteurs : Ribemont-Dessaignes, Soupault, Breton, Aragon, Eluard, Ernst, Arp. Ce qui donnera au mouvement surréaliste, dans sa nature même de contestataire, bousculant les idées reçues, les préjugés, les habitudes, un dynamisme qui va galvaniser les jeunes talents allant à sa rencontre, et enrichissant ses "troupes". On verra affluer toute une génération qui avait trouvée en lui un mode de vie et de pensée. Autant de talents qui, sans lui, se seraient peut-être coulés dans d'autres destins, d'autres courants de pensée.
Le surréalisme apportait aux écrivains et peintres qui aspiraient à le rejoindre une notion tout nouvelle qui voulait que la création et la vie se confondaient, se nourrissaient de leurs forces respectives. On ne fabrique par des hommes de lettres dans le sein du surréalisme mais des pensées en mouvement, en action.
D'où le goût du scandale, des prises de positions tapageuses, plus rapidement absorbées par l'opinion, et, du fait même, créant des personnages ayant une surface médiatique infiniment plus large que l'écrivain en chambre (Gide, seul, quoique dans une perspective toute différente aura cet impact sur les foules, et bien après Jean-Paul Sartre).
Le surréalisme créant des figures de légende (comme il aime à en adopter :Jacques Vaché, Arthur Cravan, Jacques Rigaut, Forneret, Sade, Alfred Jarry), auréolées de cette séduction qui tient à la singularité de leur vie, de leur apport dans la création et d'une "prise de risque" qui conduit quelque unes d'entre elles au suicide
Dada voulait "tout casser", renverser la culture si vieille dans ses préjugés, son embourgeoisement, mais le caractère strictement négatif de l'entreprise avait fini par l'épuiser et le précipiter sur ses limites.
L'enfant de dada (ou sa suite logique) sera le surréalisme qui va conserver toute sa jeunesse d'esprit et son enthousiasme. C'était un mouvement de jeune, ça le resterait. D'ailleurs c'était pratiquement les mêmes acteurs : Ribemont-Dessaignes, Soupault, Breton, Aragon, Eluard, Ernst, Arp. Ce qui donnera au mouvement surréaliste, dans sa nature même de contestataire, bousculant les idées reçues, les préjugés, les habitudes, un dynamisme qui va galvaniser les jeunes talents allant à sa rencontre, et enrichissant ses "troupes". On verra affluer toute une génération qui avait trouvée en lui un mode de vie et de pensée. Autant de talents qui, sans lui, se seraient peut-être coulés dans d'autres destins, d'autres courants de pensée.
Le surréalisme apportait aux écrivains et peintres qui aspiraient à le rejoindre une notion tout nouvelle qui voulait que la création et la vie se confondaient, se nourrissaient de leurs forces respectives. On ne fabrique par des hommes de lettres dans le sein du surréalisme mais des pensées en mouvement, en action.
D'où le goût du scandale, des prises de positions tapageuses, plus rapidement absorbées par l'opinion, et, du fait même, créant des personnages ayant une surface médiatique infiniment plus large que l'écrivain en chambre (Gide, seul, quoique dans une perspective toute différente aura cet impact sur les foules, et bien après Jean-Paul Sartre).
Le surréalisme créant des figures de légende (comme il aime à en adopter :Jacques Vaché, Arthur Cravan, Jacques Rigaut, Forneret, Sade, Alfred Jarry), auréolées de cette séduction qui tient à la singularité de leur vie, de leur apport dans la création et d'une "prise de risque" qui conduit quelque unes d'entre elles au suicide
posté le 26-03-2010 à 16:33:01
Man Ray élève la poussière.
Longtemps le "grand verre" de Marcel Duchamp reste dans son atelier et la poussière s'accumule dessus. Man Ray décide de le photographier en l'état, décelant dans un vertigineux effet de perspective un paysage étrange.
La question. Qui est l'auteur de l'oeuvre. Duchamp ou Man Ray. En fait, par un effet du heureux hasard, les deux. Preuve apportée à l'énoncé de Duchamp qui prétend qu'une oeuvre d'art n'existe que par le regard qu'on lui porte, ou que l'on porte sur n'importe quel objet qui, du même coup, accède à ce statut privilégié.
C'est l'effet que Man Ray percevait dans l'oeuvre de Duchamp qui devient du même coup une oeuvre qu'il peut signer, s'appropriant une situation, un état particulier de ce que Duchamp avait préalablement élaboré. De surcroît il donne au résultat un titre qui lui confère un aspect mystérieux. Paysage lunaire ou fiction paysagère, fantastique garanti.
On oubliera le support pour ne plus voir que ce que Man Ray a vu, et veut nous faire voir. La preuve, la moustache dont Duchamp affuble la Joconde fait, de cette dernière, une oeuvre de Duchamp.
La question. Qui est l'auteur de l'oeuvre. Duchamp ou Man Ray. En fait, par un effet du heureux hasard, les deux. Preuve apportée à l'énoncé de Duchamp qui prétend qu'une oeuvre d'art n'existe que par le regard qu'on lui porte, ou que l'on porte sur n'importe quel objet qui, du même coup, accède à ce statut privilégié.
C'est l'effet que Man Ray percevait dans l'oeuvre de Duchamp qui devient du même coup une oeuvre qu'il peut signer, s'appropriant une situation, un état particulier de ce que Duchamp avait préalablement élaboré. De surcroît il donne au résultat un titre qui lui confère un aspect mystérieux. Paysage lunaire ou fiction paysagère, fantastique garanti.
On oubliera le support pour ne plus voir que ce que Man Ray a vu, et veut nous faire voir. La preuve, la moustache dont Duchamp affuble la Joconde fait, de cette dernière, une oeuvre de Duchamp.
Commentaires
1. Saintsonge le 26-03-2010 à 17:04:25 (site)
Leur rencontre artistique est peut-être aussi dûe au collectionneur Walser Arensberg, d'où non plus osmose des deux talents, mais trine "exposition individuelle" car sans ce collectionneur, cher ami, point de Duchamp comme inspirateur de Man Ray, non, n'êtes-vous point d'accord ?.. Que suis-je moi, si je ne rencontre personne ?.. Il faut toujours une aide extérieure à la pierre qui veut devenir fleur ! Et, j'attends ce vent-là...
posté le 26-03-2010 à 11:17:05
Proust au Weber vu par Léon Daudet.
Léon Daudet (dans ses savoureuses chroniques) le remarque : " Ce n'est plus l'habitude des hommes de lettres et des artistes de se réunir au café comme il y a trente ou quarante ans" (il écrit cela en 1890). Le Salons tenus par des femmes qui font un peu la pluie et le beau temps dans cet univers fermé, jouent le rôle dévolu, du temps des Impressionnistes aux brasseries où ils aimaient se retrouver (comme la Nouvelle Athènes à Pigalle).
Pourtant, et Léon Daudet en fait une description où l'on sent la fibre sentimentale, le Weber, rue Royale, attire encore ceux qui, venus du boulevard tout proche, des théâtres et des salles de rédaction des journaux eux aussi dans le voisinage, se mêlent volontiers aux mondains dont les hôtels du XVIII° arrondissement, exportent la culture au coeur même des mondanités. Proust l'aura compris plus que tout autre et en fera le ferment de son oeuvre.
Un Proust justement, surgissant devant Léon Daudet, dans sa marche de somnambule : "Vers 7 h 1/2 arrivait chez Weber un jeune homme pâle, aux yeux de biche, suçant ou tripotant une moitié de sa moustache brune et tombante, entouré de lainages comme un bibelot chinois. Il demandait une grappe de raisin, un verre d'eau, et déclarait qu'il venait de se lever, qu'il avait la grippe, qu'il s'allait recoucher, que le bruit lui faisait mal, jetait autour de lui des regards inquiets puis moqueurs, en fin de compte éclatait d'un rire enchanté et restait. Bientôt sortaient de ses lèvres, proférées sur un ton hésitant et hâtif des remarques d'une extraordinaire nouveauté et des aperçus d'une finesse diabolique. Ses images imprévus voletaient à la cime des choses et des gens, ainsi qu'une musique supérieure, comme on raconte qu'il arrivait à la taverne du Globe, entre les compagnons du divin Shakespeare."
Pourtant, et Léon Daudet en fait une description où l'on sent la fibre sentimentale, le Weber, rue Royale, attire encore ceux qui, venus du boulevard tout proche, des théâtres et des salles de rédaction des journaux eux aussi dans le voisinage, se mêlent volontiers aux mondains dont les hôtels du XVIII° arrondissement, exportent la culture au coeur même des mondanités. Proust l'aura compris plus que tout autre et en fera le ferment de son oeuvre.
Un Proust justement, surgissant devant Léon Daudet, dans sa marche de somnambule : "Vers 7 h 1/2 arrivait chez Weber un jeune homme pâle, aux yeux de biche, suçant ou tripotant une moitié de sa moustache brune et tombante, entouré de lainages comme un bibelot chinois. Il demandait une grappe de raisin, un verre d'eau, et déclarait qu'il venait de se lever, qu'il avait la grippe, qu'il s'allait recoucher, que le bruit lui faisait mal, jetait autour de lui des regards inquiets puis moqueurs, en fin de compte éclatait d'un rire enchanté et restait. Bientôt sortaient de ses lèvres, proférées sur un ton hésitant et hâtif des remarques d'une extraordinaire nouveauté et des aperçus d'une finesse diabolique. Ses images imprévus voletaient à la cime des choses et des gens, ainsi qu'une musique supérieure, comme on raconte qu'il arrivait à la taverne du Globe, entre les compagnons du divin Shakespeare."
Commentaires
1. Saintsonge le 26-03-2010 à 11:24:58 (site)
Jolie prestance au portrait magnifique orné d'un beau texte...
Encourageant pour toute solitude kantienne ou Spinoziste comme de la mienne , en fait, au bout de tout !
posté le 25-03-2010 à 10:23:46
Le groupe de l'Abbaye, une expérience sans lendemain.
Ce que des poètes épris de typographie font dans la solitude de leur atelier, un groupe de jeunes écrivains, dans les années 1906-1908, tentent de le faire en collectivité. Ils se rencontrent au Quartier Latin (il y a là René Arcos, Alexandre Mercereau, Georges Duhamel, Albert Gleizes, Charles Vildrac). Il trouvent un lieu idyllique (à Créteil, sur les bords de la Seine) et y fondent une sorte de phalanstère (au beau nom de l'Abbaye en hommage à Rabelais). Afin de subvenir aux besoins du groupe on décide de s'improviser imprimeur. Il y aura (jusqu'à la dissolution) une vingtaine d'ouvrages dont, en priorité, les leurs (Mercereau, Duhamel, Arcos, Vildrac) et quelques incursions vers des alliances dont ils attendaient quelque prestige comme vers Robert de Montesquiou dont ils éditent un ouvrage que l'auteur se dispensera de payer.
Il n'avait jamais été dans les intentions des participants de militer pour une esthétique commune, (peut-être l'unanimisme de Jules Romains fut-il à la rigueur leur lien). Dominait une sorte de fraternité souple et une volonté de laisser chacun aller à son but. Ce sera peut-être le vers dans le fruit. Le choc des personnalités va bientôt disloquer le groupe sans briser l'amitié qui substituera au delà d'un rapide éclatement.
Photo : Une réunion sur l'herbe (les femmes sont absentes !) Arcos, Mercereau, Duhamel, Gleizes, Vildrac.
On ne peut s'empêcher de penser au rêve de D.H.Lawrence de constituer un groupe fraternisant dans la même idéologie, mais qui, lui, ne connaîtra jamais sa concrétisation et restera un fantasme.
Il n'avait jamais été dans les intentions des participants de militer pour une esthétique commune, (peut-être l'unanimisme de Jules Romains fut-il à la rigueur leur lien). Dominait une sorte de fraternité souple et une volonté de laisser chacun aller à son but. Ce sera peut-être le vers dans le fruit. Le choc des personnalités va bientôt disloquer le groupe sans briser l'amitié qui substituera au delà d'un rapide éclatement.
Photo : Une réunion sur l'herbe (les femmes sont absentes !) Arcos, Mercereau, Duhamel, Gleizes, Vildrac.
On ne peut s'empêcher de penser au rêve de D.H.Lawrence de constituer un groupe fraternisant dans la même idéologie, mais qui, lui, ne connaîtra jamais sa concrétisation et restera un fantasme.
posté le 24-03-2010 à 11:43:14
Les Goncourt : un laboratoire de méchanceté
Les vieux garçons.
Leur mode de vie confine à la culture en laboratoire de la méchanceté (intelligente), de la médisance portée à l'art de faire des portraits d'une incroyable cruauté, de donner de leur époque, de leur société, une image assez effarante et somme toute, fort éloignée des grands drames sociaux qui en étaient le cadre.
L'Histoire chez eux passe par le filtre d'un égoïsme fraternellement partagé. Et pourtant, quel régal que la lecture de ce Journal pléthorique qui brasse le mode des écrivains, du théâtre un rien mondain (les soirées chez l'insupportable princesse Mathilde), Dans le coquet appartement de la rue Saint Georges, et le voisinage de courtisanes qui habitaient le même immeuble qu'eux, puis quand Edmond fut seul, dans le petit hôtel particulier d'Auteuil, le fiel se coule en mots choisis et rares, en une écriture qui s'est imposée comme "écriture artiste" mais ne manque ni de charme ni d'élégance. Le Journal mis à jour voilà les deux frères, face à face autour d'une table-bureau, décortiquant des figures du passé (Marie-Antoinette, la du Barry, quelques coquettes qui ont fait leur gloire sur les planches) et proposant un type d'étude historique s'appuyant sur des documents et prenant un ton de sérieux qui est aussi parfois celui du notaire (dont ils ont aussi l'aspect physique). On assure qu'ils partageaient les mêmes conquêtes féminines et pratiquaient volontiers les vices du lupanar. Un mélange d'austérité d'apparence, de méticulosité intellectuelle et de perversion cachée, ce qui était bien le cas du bourgeois de leur époque et ce en quoi ils sont bien de leur temps.
Leur mode de vie confine à la culture en laboratoire de la méchanceté (intelligente), de la médisance portée à l'art de faire des portraits d'une incroyable cruauté, de donner de leur époque, de leur société, une image assez effarante et somme toute, fort éloignée des grands drames sociaux qui en étaient le cadre.
L'Histoire chez eux passe par le filtre d'un égoïsme fraternellement partagé. Et pourtant, quel régal que la lecture de ce Journal pléthorique qui brasse le mode des écrivains, du théâtre un rien mondain (les soirées chez l'insupportable princesse Mathilde), Dans le coquet appartement de la rue Saint Georges, et le voisinage de courtisanes qui habitaient le même immeuble qu'eux, puis quand Edmond fut seul, dans le petit hôtel particulier d'Auteuil, le fiel se coule en mots choisis et rares, en une écriture qui s'est imposée comme "écriture artiste" mais ne manque ni de charme ni d'élégance. Le Journal mis à jour voilà les deux frères, face à face autour d'une table-bureau, décortiquant des figures du passé (Marie-Antoinette, la du Barry, quelques coquettes qui ont fait leur gloire sur les planches) et proposant un type d'étude historique s'appuyant sur des documents et prenant un ton de sérieux qui est aussi parfois celui du notaire (dont ils ont aussi l'aspect physique). On assure qu'ils partageaient les mêmes conquêtes féminines et pratiquaient volontiers les vices du lupanar. Un mélange d'austérité d'apparence, de méticulosité intellectuelle et de perversion cachée, ce qui était bien le cas du bourgeois de leur époque et ce en quoi ils sont bien de leur temps.
Commentaires
1. saintsonge le 24-03-2010 à 18:33:34 (site)
Toute méchanceté a sa source dans la faiblesse, quelle fut la leur ?
posté le 23-03-2010 à 10:30:38
Eloge de la débauche ?
C'est Greuze chez Boucher. Une rencontre explosive. La larmoyante mélopée de la misère qui s'introduit dans le luxe un peu canaille d'une partie galante. Elle débute à table (il semblerait que c'est l'usage) elle se terminera dans l'alcôve. Certains restaurants avaient, au XIX° siècle, installé des canapés (voire des divans) dans les cabinets particuliers où l'on pouvait souper en galante compagnie.
On parlera de débauche. C'est que la table y a sa part, contribuant à sa mise en scène. L'étape suivante (surtout si elle implique un nombre plus important de personnages) deviendra l'orgie. Le mot même s'est épaissi. Il frôle l'image de l'ogre forcément gros. On est là dans le pays de Rabelais. De la nappe on glisse vers le drap. Affaire de chiffons.
Au final, mais dans cette zone plus glauque où s'organise les rituels érotiques d'aujourd'hui, il y a la partouze. Programmée en fin de semaine dans des établissements conçus pour, et que fréquente cette petite bourgeoisie qui n'avait jusqu'alors notion du plaisir du sexe qu'à travers des récits dont elle était exclue.
Elle croit vivre une page du marquis de Sade qu'elle aura lu en livre de poche, elle s'émancipe en allant d'emblée vers les extrêmes. Certaines radios, entretiennent le mythe à bon marché en donnant des conseils. L'érotisme au grand magasin. Et pourquoi pas sur catalogue !
On parlera de débauche. C'est que la table y a sa part, contribuant à sa mise en scène. L'étape suivante (surtout si elle implique un nombre plus important de personnages) deviendra l'orgie. Le mot même s'est épaissi. Il frôle l'image de l'ogre forcément gros. On est là dans le pays de Rabelais. De la nappe on glisse vers le drap. Affaire de chiffons.
Au final, mais dans cette zone plus glauque où s'organise les rituels érotiques d'aujourd'hui, il y a la partouze. Programmée en fin de semaine dans des établissements conçus pour, et que fréquente cette petite bourgeoisie qui n'avait jusqu'alors notion du plaisir du sexe qu'à travers des récits dont elle était exclue.
Elle croit vivre une page du marquis de Sade qu'elle aura lu en livre de poche, elle s'émancipe en allant d'emblée vers les extrêmes. Certaines radios, entretiennent le mythe à bon marché en donnant des conseils. L'érotisme au grand magasin. Et pourquoi pas sur catalogue !
Commentaires
1. saintsonge le 23-03-2010 à 22:19:57 (site)
Le temps a sa "débauche" aussi, je ne reçois votre article qu'à ... 22h16 !...
Et, non protégé, mon computer vient de récolter un méga-virus qui m'empêche bien des programmes, fort heureusement, je peux joindre chez vous des commentaires ce que je ne peux plus chez d'autres !.. Le vieillard au chapeau semble aussi quémander une part de luxure, sa manne orgiaque, s'il en est !.. Suite logique à votre auteur quelque peu fétiche de l' Amant de Chatterley !...
posté le 22-03-2010 à 15:57:22
Gustave Moreau et la perversité.
Des peintres qui firent les beaux jours de cette "fin de siècle" si généreuse en talents singuliers, Gustave Moreau est celui qui fait la jonction entre son temps (celui de Jean Lorrain, Robert de Montesquiou et autres bijoutiers du verbe) et André Breton à qui l'on doit la reconnaissance du peintre dans son environnement. Ce délicieux petit musée de la rue La Rochefoucauld qui fut son atelier et son logement. Les parquets craquent sous les pas, les visiteurs ont des allures de clandestins ou d'initiés qui partagent un vice caché : celui de s'émouvoir devant ces compositions aussi ténébreuses que parfumées d'une étrange perversité.
Moreau puise dans les mythologies, les pages de la Bible qu'il voit traversées de femmes fatales et d'une suave lascivité. De héros pathétiques et de martyrs sanguinolents se voient soumis à leur implacable volonté et sadisme. Salomé a des allures de danseuse de cabaret louche. C'est tout son génie de glisser dans une page d'Histoire (à mettre entre toutes les mains) des évocations troubles et perverses.
Il use d'un cérémonial très élaboré, aux complexes décors aussi tarabiscotés que les poèmes qu'ils inspirèrent à l'époque de leur mise en place. Quand la poésie se cherchait de nouveaux horizons, des mots rares et des vices singuliers à chanter.
Moreau puise dans les mythologies, les pages de la Bible qu'il voit traversées de femmes fatales et d'une suave lascivité. De héros pathétiques et de martyrs sanguinolents se voient soumis à leur implacable volonté et sadisme. Salomé a des allures de danseuse de cabaret louche. C'est tout son génie de glisser dans une page d'Histoire (à mettre entre toutes les mains) des évocations troubles et perverses.
Il use d'un cérémonial très élaboré, aux complexes décors aussi tarabiscotés que les poèmes qu'ils inspirèrent à l'époque de leur mise en place. Quand la poésie se cherchait de nouveaux horizons, des mots rares et des vices singuliers à chanter.
Commentaires
1. Saintsonge le 22-03-2010 à 23:22:47 (site)
Atelier Fauve s'il en est, divisionniste, du moins ! Là où les pas des Charles Camoin, Albert Marquet et Henri Manguin résonnèrent aussi ! Matisse, aussi, peut-être...?
posté le 22-03-2010 à 14:49:01
Monsieur de Phocas c'est Robert de Montesquiou.
On a pu voir dans le personnage de Monsieur de Phocas l'incroyable Robert de Montesquiou (qui est également le Charlus de Proust et le des Esseintes de J.K.Huysmans) soit une figure phare "fin de siècle" dans ses outrances, sa préciosité affectée, sa recherche malsaine de plaisirs étranges et suicidaires. L'intrigue est assez tarabiscotée et sans doute moins intéressante que l'environnement même, le théâtre aux parfums de vices que Jean Lorrain déploie autour de l'action. Un certain de Fréneuse, collectionneur de pierres précieuses et par elles fasciné jusqu'au crime, écrivant son journal, révèle les aspects ombrageux et torrides à la fois, de sa vie fantasque et marquée par une luxure très étudiée, signe d'une distinction qui l'arrache à la banalité du quotidien. Amoureux (purement cérébral) d'une danseuse qu'il confond avec Salomé, et bientôt d'un louche personnage (Ethal) qu'il assassine faisant passer son crime pour un suicide devant la statue d'Astarté. Ce qui est bien dans la manie de l'époque (on le voit dans la peinture "académique") qui fait grand usage de la mythologie, des mythes et des légendes antiques. Le tout dans un envolée de lyrisme morbide où souffle l'esprit du marquis de Sade. L'ambition du personnage qui fait fie de toutes les lois et des usages de la morale ordinaire : se vautrer dans le stupre, des hallucinations barbares et superbes à la fois.
Lorrain s'y montre bien typique de cette "génération d'hommes dévoyés, poussés et poussant aux limites d'eux-mêmes, pourchassant le vice jusqu'à plus soif, une société bien faisandée (et plus gravement atteinte) que celle des roués de Philippe d'Orléans dans les entours du Palais Royal" comme le dit l'excellent spécialiste de cette littérature de la décadence qu'est Hubert Juin. " On trouvera dans Monsieur de Phocas, quelques éclats diaprés, quelques éclaboussures fatiguées, quelques relents de ce périple aux barrières, dans les bouges sur les fortifs" dont Lorrain était un familier".
Un ouvrage qui vaut plus comme phénomène d'une époque que pour ses qualités littéraires, outrées et si fardées de préciosité qu'il a terriblement vieilli.
Lorrain s'y montre bien typique de cette "génération d'hommes dévoyés, poussés et poussant aux limites d'eux-mêmes, pourchassant le vice jusqu'à plus soif, une société bien faisandée (et plus gravement atteinte) que celle des roués de Philippe d'Orléans dans les entours du Palais Royal" comme le dit l'excellent spécialiste de cette littérature de la décadence qu'est Hubert Juin. " On trouvera dans Monsieur de Phocas, quelques éclats diaprés, quelques éclaboussures fatiguées, quelques relents de ce périple aux barrières, dans les bouges sur les fortifs" dont Lorrain était un familier".
Un ouvrage qui vaut plus comme phénomène d'une époque que pour ses qualités littéraires, outrées et si fardées de préciosité qu'il a terriblement vieilli.
posté le 22-03-2010 à 11:06:29
Sens Plastique à la Secession (Vienne).
Sous le titre "Graphic aus Paris" la revue Sens Plastique organise, en juin 1961, une exposition itinérante qui passe par La Secession de Vienne, la Wulfengasse de Klagenfurt , Forum Stadtpark à Graz et Kliemstein à Linz.
Les peintres proposés étaient : Aubertin, Chaminade, Danil, Yves Dubois, Jean Igé, Jacquet, Luboski, Piccioto, Rancillac, Jean-Robert, Rué, Tyszblat, tous plus ou moins liés à la revue ou ayant fait l'objet d'études ou de parrainage d'expositions personnelles.
Ce passage largement autrichien avait une signification symbolique. Il confirmait des relations étroites et complices avec des artistes autrichiens qui avaient fait l'objet d'expositions au Soleil dans la tête.
Le passage, dans l'enceinte du légendaire palais de la Secession à Vienne, lui donnait un réel et incontestable prestige et soulignait qu'il s'agissait, pour la génération de 1960, d' un souci de se démarquer des modes et des poncifs en cours. Une sorte de secession à la française
Photo de Daniel Jean, voir le blog germaniamagazine.ifrance.com
Les peintres proposés étaient : Aubertin, Chaminade, Danil, Yves Dubois, Jean Igé, Jacquet, Luboski, Piccioto, Rancillac, Jean-Robert, Rué, Tyszblat, tous plus ou moins liés à la revue ou ayant fait l'objet d'études ou de parrainage d'expositions personnelles.
Ce passage largement autrichien avait une signification symbolique. Il confirmait des relations étroites et complices avec des artistes autrichiens qui avaient fait l'objet d'expositions au Soleil dans la tête.
Le passage, dans l'enceinte du légendaire palais de la Secession à Vienne, lui donnait un réel et incontestable prestige et soulignait qu'il s'agissait, pour la génération de 1960, d' un souci de se démarquer des modes et des poncifs en cours. Une sorte de secession à la française
Photo de Daniel Jean, voir le blog germaniamagazine.ifrance.com
posté le 22-03-2010 à 10:56:57
Paul Morand et la modernité.
Il est à lui seul toute une époque, et ses fantasmes et ses couleurs et ses paillettes.
Enfant de cette bourgeoisie intelligente qui a donné, au XX° siècle, ses élites (diplomatie, littérature) , il va justement associer la diplomatie et les lettres (comme Claudel, Giraudoux ou Saint John Perse) et tracer sur le paysage mondain qui l'accompagne, le valorise, les sinuosités d'un esprit fantasque, énergique, entreprenant et peut-être opportuniste, mais avec l'élégance du dandy, le savoir- faire du mondain et ce zeste de fantaisie qui lui attire l'indulgence des plus rigides et la sympathie des plus audacieux. Il ne sera d'aucun clan, ni de ces groupes nombreux qui se succèdent, où domine le surréalisme qui n'aurait peut-être pas été, même furtivement, insensible à sa personnalité (voir Phlippe Soupault, René Crevel qui sont de la même race) ou capable de le séduire. Mais le fait d'écrire des romans ne pouvait que l'écarter d'un André Breton qui était hostile au genre. Son approche de Proust est une manière de parrainage. Entre le monde et l'audace littéraire. Encore que la sienne soit de surface. Il n'est pas comme Proust un inventeur d'une nouvelle littérature. Il la met simplement au goût du jour, au rythme de fébrilité que l'on confondait alors avec la modernité. Moderne, donc, et pourtant son oeuvre n'est pas aujourd'hui décalée, ni rejetée au purgatoire ( ce qui est le cas d'un François Mauriac, d'un André Maurois, deux des fameux M invoqués par l'éditeur Grasset qui va jouer leur carte). L'exotisme, l'appel des horizons lointains sont toujours d'actualité. Mais en un sens qui n'est pas dans l'esprit de Morand, trop dépendant encore de l'illusion du progrès. D'où le mythe de "l'homme pressé". A en croire Pierre Sansot ( ce remarquable philosophe des zones encore vierges de la pensée) ce serait plutôt, l'heure de l'homme méditatif (un hommage à Bachelard ?) de l'homme de peu, c'est à dire tout le monde, quand Morand parle encore de cette "élite" qui gouverne les coeurs, et les portefeuilles de la société. On peut lire aussi Morand comme un produit de l'illusion de la modernité (voir Fernand Léger, les futuriste italiens etc..) Le monde d'aujourd'hui va à l'encontre de son attitude, mais la manière de la mettre à jour reste d'une étonnante verdeur de ton, et de fascinante efficacité.
Enfant de cette bourgeoisie intelligente qui a donné, au XX° siècle, ses élites (diplomatie, littérature) , il va justement associer la diplomatie et les lettres (comme Claudel, Giraudoux ou Saint John Perse) et tracer sur le paysage mondain qui l'accompagne, le valorise, les sinuosités d'un esprit fantasque, énergique, entreprenant et peut-être opportuniste, mais avec l'élégance du dandy, le savoir- faire du mondain et ce zeste de fantaisie qui lui attire l'indulgence des plus rigides et la sympathie des plus audacieux. Il ne sera d'aucun clan, ni de ces groupes nombreux qui se succèdent, où domine le surréalisme qui n'aurait peut-être pas été, même furtivement, insensible à sa personnalité (voir Phlippe Soupault, René Crevel qui sont de la même race) ou capable de le séduire. Mais le fait d'écrire des romans ne pouvait que l'écarter d'un André Breton qui était hostile au genre. Son approche de Proust est une manière de parrainage. Entre le monde et l'audace littéraire. Encore que la sienne soit de surface. Il n'est pas comme Proust un inventeur d'une nouvelle littérature. Il la met simplement au goût du jour, au rythme de fébrilité que l'on confondait alors avec la modernité. Moderne, donc, et pourtant son oeuvre n'est pas aujourd'hui décalée, ni rejetée au purgatoire ( ce qui est le cas d'un François Mauriac, d'un André Maurois, deux des fameux M invoqués par l'éditeur Grasset qui va jouer leur carte). L'exotisme, l'appel des horizons lointains sont toujours d'actualité. Mais en un sens qui n'est pas dans l'esprit de Morand, trop dépendant encore de l'illusion du progrès. D'où le mythe de "l'homme pressé". A en croire Pierre Sansot ( ce remarquable philosophe des zones encore vierges de la pensée) ce serait plutôt, l'heure de l'homme méditatif (un hommage à Bachelard ?) de l'homme de peu, c'est à dire tout le monde, quand Morand parle encore de cette "élite" qui gouverne les coeurs, et les portefeuilles de la société. On peut lire aussi Morand comme un produit de l'illusion de la modernité (voir Fernand Léger, les futuriste italiens etc..) Le monde d'aujourd'hui va à l'encontre de son attitude, mais la manière de la mettre à jour reste d'une étonnante verdeur de ton, et de fascinante efficacité.
posté le 22-03-2010 à 10:32:43
Léon-Paul Fargue chez Claudine Chonez.
Léon Paul Fargue chez Claudine Chonez.
Le souvenir est vague, comme une très ancienne photographie, encore que des détails subsistent comme cette plante verte aux allures de serre qui occupait un bon tiers de la grande pièce où me recevait la pétulante Claudine Chonez. Elle était alors fort en vue dans les médias, un pied à la radio, l'autre dans les journaux et militant pour la poésie, les écrivains dans les marges.
Il fut alors question de Léon Paul Fargue. Nous partagions une admiration sans borne pour le Piéton de Paris et parce que, justement, il était ce piéton inspiré et que nous avions aussi, en commun, le goût des errances citadines (et de préférence nocturnes).
Fargue, au seuil d'un XX° siècle qui se baignait encore dans les décadences d'un XIX° finissant. Fargue ne fut-il pas l'ami d'Alfred Jarry et, comme lui, fort amateur d'étrangetés. On les déniche dans les petits textes savoureux, narquois, insolites de Fargue qui joue la carte d'une littérature hors des chemins battus, des voies royales du roman, et pratique la littérature à la parcelle (comme Louis Scutenaire, Jean Follain ou Robert Walser par exemple). Un texte qui émiette la réalité, déniche les détails insolites, la poésie de l'ordinaire. Quelque chose qui frôle les rêves surréalistes et le réalisme d'un Doisneau.
Fargue donc, célébré par Claudine Chonez dans un petit livre de la collection Pierre Seghers, et celui-ci, déniché chez un bouquiniste, et qui appartenait à Maurice Fombeure. La chasse aux livres, dans le labyrinthe de la ville, nous offre parfois de ces menus trésors qui enchantent le quotidien.
Le souvenir est vague, comme une très ancienne photographie, encore que des détails subsistent comme cette plante verte aux allures de serre qui occupait un bon tiers de la grande pièce où me recevait la pétulante Claudine Chonez. Elle était alors fort en vue dans les médias, un pied à la radio, l'autre dans les journaux et militant pour la poésie, les écrivains dans les marges.
Il fut alors question de Léon Paul Fargue. Nous partagions une admiration sans borne pour le Piéton de Paris et parce que, justement, il était ce piéton inspiré et que nous avions aussi, en commun, le goût des errances citadines (et de préférence nocturnes).
Fargue, au seuil d'un XX° siècle qui se baignait encore dans les décadences d'un XIX° finissant. Fargue ne fut-il pas l'ami d'Alfred Jarry et, comme lui, fort amateur d'étrangetés. On les déniche dans les petits textes savoureux, narquois, insolites de Fargue qui joue la carte d'une littérature hors des chemins battus, des voies royales du roman, et pratique la littérature à la parcelle (comme Louis Scutenaire, Jean Follain ou Robert Walser par exemple). Un texte qui émiette la réalité, déniche les détails insolites, la poésie de l'ordinaire. Quelque chose qui frôle les rêves surréalistes et le réalisme d'un Doisneau.
Fargue donc, célébré par Claudine Chonez dans un petit livre de la collection Pierre Seghers, et celui-ci, déniché chez un bouquiniste, et qui appartenait à Maurice Fombeure. La chasse aux livres, dans le labyrinthe de la ville, nous offre parfois de ces menus trésors qui enchantent le quotidien.
posté le 20-03-2010 à 17:23:45
L'attrait de D.H.Lawrence.
Comment expliquer l'attrait de D.H.Lawrence, et une précoce admiration, (adolescent j'avais tout lu de lui). Son univers est assez simpliste, et de roman à roman, il développe le même type de sujet. Après "L'amant de lady Chatterley" où l'on a voulu voir l'essentiel de son message, il va offrir une variante, ce sera "La vierge et le bohémien", son ultime livre. Ici et là c'est l'histoire d'une femme (ou d'une vierge) tenue dans un climat étouffant, qui va à la rencontre de la masculinité (ici un garde chasse, là un bohémien, mais ils sont frères) qui la révèle à elle-même, dans une sorte de fusion amoureuse qui exalte la nature.
On ne peut pas dire que Lawrence soit un grand styliste. Il charge ses livres de trop de détails, de description qui l'alourdissent, si en revanche on a quelque faiblesse (et tendresse) pour ses multiples évocations végétales (quel botaniste lyrique il est !). Avec lui les fleurs ont une vie propre, ardente et communicative.
Alors l'attrait de Lawrence vient peut-être d'autre chose. Moins l'oeuvre que la manière de la réaliser. Voilà l'écrivain qui écrit dans le rythme de sa vie, entre une tâche domestique (pour laquelle il ne montre nulle répugnance), et la rédaction "sur de petits cahiers à l'ombre d'un arbre" de ses romans sans emphase et dans le voisinage d'un quotidien bien rempli . La main à plume est aussi la main à la serpillière et sans fausse honte. Un trait de son génie propre : sa manière de voyager. Il annonce les routards qui vont à la conquête du monde, sac à dos. On le suit dans les petits cars qui cahotent sur les mauvaises routes d'Italie. Un régal.
On ne peut pas dire que Lawrence soit un grand styliste. Il charge ses livres de trop de détails, de description qui l'alourdissent, si en revanche on a quelque faiblesse (et tendresse) pour ses multiples évocations végétales (quel botaniste lyrique il est !). Avec lui les fleurs ont une vie propre, ardente et communicative.
Alors l'attrait de Lawrence vient peut-être d'autre chose. Moins l'oeuvre que la manière de la réaliser. Voilà l'écrivain qui écrit dans le rythme de sa vie, entre une tâche domestique (pour laquelle il ne montre nulle répugnance), et la rédaction "sur de petits cahiers à l'ombre d'un arbre" de ses romans sans emphase et dans le voisinage d'un quotidien bien rempli . La main à plume est aussi la main à la serpillière et sans fausse honte. Un trait de son génie propre : sa manière de voyager. Il annonce les routards qui vont à la conquête du monde, sac à dos. On le suit dans les petits cars qui cahotent sur les mauvaises routes d'Italie. Un régal.
Commentaires
1. saintsonge le 20-03-2010 à 22:19:51 (site)
"la main à la serpillière" (ou dans l'eau de vaisselle), lorsque je l'aurai, j'y penserais désormais plus souvent (l'un de vos auteurs fétiches, finalement) ; comme dans Balzac, je n'ai jamais "accroché" aux longues descriptions détaillées... J'aime les fulgurances, l'épure et la stricte nécessité...D'où peut-être mon mal-être de possible romancier.
posté le 18-03-2010 à 15:43:04
Les carnets de dessin d'Alfred de Musset.
Alfred de Musset avait fait des études aux Beaux-Arts et il envisagera même d'épouser une carrière artistique.
Il en restera quelque chose dans sa longue et féconde production de dessins qui suivent le cours de sa vie et constituent une sorte de journal de son quotidien.
Outre de simples notations inspirées par son environnement il va orner de dessins un véritable album consacré à George Sand.
Ce sera l'Album de George.
" D'un trait à la mine de plomb (il) idéalisait George rêveuse, George alanguie sur son canapé, George fumant une longue pipe, George lisant, George à l'éventail, George agenouillée sur un prie-Dieu. Autour d'elle, dans l'Album, c'est une galerie de spirituelles caricatures, les amis et les autres." Il y fait montre d'un sens aigu de l'observation et d'un humour parfois ravageur (la silhouette de Stendhal alors qu'il les accompagnait sur le bateau filant sur le Rhône, lors de leur escapade à Venise). Il n'est pas plus tendre pour Sainte Beuve (son complice en virées nocturnes), ou Alfred de Vigny, "vieux cygne constipé sur le point d'accoucher d'un proverbe."
Il en restera quelque chose dans sa longue et féconde production de dessins qui suivent le cours de sa vie et constituent une sorte de journal de son quotidien.
Outre de simples notations inspirées par son environnement il va orner de dessins un véritable album consacré à George Sand.
Ce sera l'Album de George.
" D'un trait à la mine de plomb (il) idéalisait George rêveuse, George alanguie sur son canapé, George fumant une longue pipe, George lisant, George à l'éventail, George agenouillée sur un prie-Dieu. Autour d'elle, dans l'Album, c'est une galerie de spirituelles caricatures, les amis et les autres." Il y fait montre d'un sens aigu de l'observation et d'un humour parfois ravageur (la silhouette de Stendhal alors qu'il les accompagnait sur le bateau filant sur le Rhône, lors de leur escapade à Venise). Il n'est pas plus tendre pour Sainte Beuve (son complice en virées nocturnes), ou Alfred de Vigny, "vieux cygne constipé sur le point d'accoucher d'un proverbe."
posté le 17-03-2010 à 11:08:18
La comtesse de Ségur, un manuel de savoir vivre.
Sous couvert de distraire les enfants, de les ouvrir au monde, la littérature enfantine du XIX° siècle propose en fait un véritable catalogue d'instruction morale (sinon civique) qui est entre les mains d'une bourgeoisie cultivée mais pétrie de préjugés et les tenants d'une aristocratie (la comtesse de Ségur) qui s'arroge le droit (sinon le devoir) de dispenser la bonne parole, d'influer sur le cours de la société dont elle tient encore les rênes du pouvoir, et dont elle estime représenter l'aspect le plus accompli.
Il est significatif que la littérature de consommation bourgeoise (et très conventionnelle) s'invente des personnages à consonance nobiliaire, rejetant la société du peuple qu'elle ignore (ou méprise) dans les abîmes d'une déchéance que Zola va brutalement (mais efficacement) analyser.
"Les Petites filles modèles" de l'incomparable comtesse de Ségur reste le texte type de ce regard qui a la charme désuet d'un bonheur moins naïf que prétendu, mais emprunt d'une certaine grâce qui confectionne les bons souvenirs.
Le succès reconduit (et même partagé par les garçons) de cette littérature étayée par un souci de pédagogie, prouve bien que si elle a perdu son caractère éducatif elle a acquit une saveur qui est peut-être à mettre au compte de la nostalgie.
Il est significatif que la littérature de consommation bourgeoise (et très conventionnelle) s'invente des personnages à consonance nobiliaire, rejetant la société du peuple qu'elle ignore (ou méprise) dans les abîmes d'une déchéance que Zola va brutalement (mais efficacement) analyser.
"Les Petites filles modèles" de l'incomparable comtesse de Ségur reste le texte type de ce regard qui a la charme désuet d'un bonheur moins naïf que prétendu, mais emprunt d'une certaine grâce qui confectionne les bons souvenirs.
Le succès reconduit (et même partagé par les garçons) de cette littérature étayée par un souci de pédagogie, prouve bien que si elle a perdu son caractère éducatif elle a acquit une saveur qui est peut-être à mettre au compte de la nostalgie.
Commentaires
1. Fanny39 le 17-03-2010 à 12:38:26 (site)
c'est ca qui fait le charme de la littérature du 19 ième siècle
posté le 16-03-2010 à 11:42:59
Le Fantastique aujourd'hui.
Conséquence inattendue du surréalisme, l'émergence d'un courant de littérature fantastique qui est entre les mains d'écrivains qui auraient pu se revendiquer du mouvement surréaliste mais, pour la plupart, ont préféré garder leur indépendance ou l'ont tout simplement ignoré tout en appréciant les oeuvres qui l'illustrent.
Le fantastique surgit aux bords mêmes de la démarche surréaliste, la complète, lui ouvre de nouvelles perspectives, parfois s'y engouffre, et maints écrivains qui par le passé s'en approchèrent, retiennent son attention.
Le fantastique est étroitement tissé dans la texture d'un texte qui n'en vise pas nécessairement l'effet mais inévitablement s'y confond avec ces forces souterraines que les mots retiennent ou qui en sont comme l'émergence frémissante.
La prose d'André Pieyre de Mandiargues, celle de Marcel Béalu (parfois si proche) illustrent parfaitement cette adhésion à l'au-delà de notre simple réalité, ou en bouscule l'ordre, en distille les fêlures, les brisures dans notre prise de conscience des choses.
Il en résulte une qualité qui tient à l'écriture qui n'est plus une simple machine à faire fonctionner le fantastique mais une approche instinctive, presque somnambulique, qui nous envoûte en même temps qu'elle nous aspire dans la réalité d'au-delà des rêves.
Les histoires fantastiques d'aujourd'hui ne sont pas le produit d'une industrie qui est entre les mains de spécialistes, mais la dérive d'une oeuvre littéraire, le basculement dans les fossés de l'insolite. Ils bordent notre chemin et souvent on l'ignore.
Le fantastique surgit aux bords mêmes de la démarche surréaliste, la complète, lui ouvre de nouvelles perspectives, parfois s'y engouffre, et maints écrivains qui par le passé s'en approchèrent, retiennent son attention.
Le fantastique est étroitement tissé dans la texture d'un texte qui n'en vise pas nécessairement l'effet mais inévitablement s'y confond avec ces forces souterraines que les mots retiennent ou qui en sont comme l'émergence frémissante.
La prose d'André Pieyre de Mandiargues, celle de Marcel Béalu (parfois si proche) illustrent parfaitement cette adhésion à l'au-delà de notre simple réalité, ou en bouscule l'ordre, en distille les fêlures, les brisures dans notre prise de conscience des choses.
Il en résulte une qualité qui tient à l'écriture qui n'est plus une simple machine à faire fonctionner le fantastique mais une approche instinctive, presque somnambulique, qui nous envoûte en même temps qu'elle nous aspire dans la réalité d'au-delà des rêves.
Les histoires fantastiques d'aujourd'hui ne sont pas le produit d'une industrie qui est entre les mains de spécialistes, mais la dérive d'une oeuvre littéraire, le basculement dans les fossés de l'insolite. Ils bordent notre chemin et souvent on l'ignore.
posté le 16-03-2010 à 11:05:09
Picabia devenu académique.
Tout comme Picasso, avec lequel il partage une sorte de gloire mondaine, Picabia va, dans les années 30, retrouver une sorte de néo-classicisme, qui le conduit vers un graphisme épuré, plus fidèle à la réalité dans sa force expressive et prenant le corps humain comme sujet privilégié.
Ce sont des figures familières, avec cette pointe d'humour qui est de son principe quand Picasso semble pasticher l'académisme. Picabia lui tord encore un peu le cou, s'égare volontiers et dérobe le détail narquois, le clin d'oeil malicieux qui donne à son dessin, dans ses sujets les plus ordinaires, ce charme si particulier, ce ton de complicité qui le rend attachant même si manifestement il a moins de brio que Picasso, un certain laisser aller qui est peut-être une preuve de faiblesse ou la prise de conscience qu'il n'atteindra jamais la "perfection" stupéfiante de son illustre concurrent.
De fait, Picabia entretient toujours une sorte d'équivoque, jouant avec sa facilité naturelle et son refus de "sérieux". On le verra, quelques années plus tard (durant l'occupation nazie), jouer moins avec l'académisme que la banalité réaliste de la peinture "pompier", destinée aux dessus de cheminée et vendue hors des circuits habituels à l'art. Dans les grands magasins par exemple. Entre les tapis faussement orientaux et le décor cosy alors à la mode.
Ce sont des figures familières, avec cette pointe d'humour qui est de son principe quand Picasso semble pasticher l'académisme. Picabia lui tord encore un peu le cou, s'égare volontiers et dérobe le détail narquois, le clin d'oeil malicieux qui donne à son dessin, dans ses sujets les plus ordinaires, ce charme si particulier, ce ton de complicité qui le rend attachant même si manifestement il a moins de brio que Picasso, un certain laisser aller qui est peut-être une preuve de faiblesse ou la prise de conscience qu'il n'atteindra jamais la "perfection" stupéfiante de son illustre concurrent.
De fait, Picabia entretient toujours une sorte d'équivoque, jouant avec sa facilité naturelle et son refus de "sérieux". On le verra, quelques années plus tard (durant l'occupation nazie), jouer moins avec l'académisme que la banalité réaliste de la peinture "pompier", destinée aux dessus de cheminée et vendue hors des circuits habituels à l'art. Dans les grands magasins par exemple. Entre les tapis faussement orientaux et le décor cosy alors à la mode.
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1. Saintsonge le 16-03-2010 à 18:40:16 (site)
De 1912 à 1914, leurs "textures" devinrent des "collages", à ces cubistes connus Raymond Duchamp-Villon, Archipenko, Brancusi et ceux que vous citez, les titanisues sculpteurs-architectes jusqu'à l'essence des choses, d'où sans doute l'épure des dessins de Picabia, ensuite, étudiés par les suivants dadaïstes/surréalistes ; avez-vous peut-être cette revue de leurs échos, la Sic. 103 qui stipulait :" LES ANCIENS Oui Madame, oui Monsieur, les Anciens ont fait des chefs-d'oeuvre NOUS LES CONNAISSONS et c'est parce que nous les connaissons (phrase soulignée) que nous sommes cubistes, futuristes, simultanistes, unanimistes..." "Aimons le neuf, ça sent la vie"...
posté le 15-03-2010 à 15:18:52
L'héritage de Wols.
Des années 60 aux années 90 l'exemple de Wols comptait autant pour les jeunes artistes que celui de Nicolas de Stael, comme si le paysage artistique s'était balisé et offrait des voies, sinon contradictoires du moins en conformité avec un tempérament. Juste situation en regard des ambitions données à la peinture (et même celle qui s'accordait encore au rôle du chevalet) qui fouillait l'inconscient (dans l'héritage du surréalisme) et celle qui tentait de faire une sorte de synthèse du réel, d'en donner l'essence (comme René Char donnait l'essence, par les mots, d'une réalité tangible).
Wols en figure de légende aussi en raison de sa mort subite et dramatique, de son environnement culturel dans le Saint Germain des Près des années 45-50 qui était frappé par le prestige de Jean Paul Sartre et le retour de Rodez de l'incontournable Antonin Artaud, autre figure de légende.
Wols et son passé de prestigieux photographe (pas si loin que ça des errances urbaines de Brassaï), son emprisonnement pendant la guerre (comme citoyen allemand) et ses prestigieux choix littéraires (Kafka, Paulhan, Sartre) qui le situait dans cette zone où l'espace des mots est investi par les formes, ou plutôt la fébrilité graphique qui s'enlace aux mots, les détourne, les agresse, se substituant à eux comme chez Henri Michaux, parfois voisin de Wols, sinon que ce dernier prolonge cette errance graphique jusqu'à la blessure quand Michaux y construit une peuplade d'étranges fantômes.
Wols en figure de proue de ce qui sera un véritable mouvement dont Georges Mathieu tirera le meilleur parti en s'appuyant sur son voisinage prestigieux, et Camille Bryen une manière de frère en quête ardente où la poésie se confond avec la peinture.
Wols en figure de légende aussi en raison de sa mort subite et dramatique, de son environnement culturel dans le Saint Germain des Près des années 45-50 qui était frappé par le prestige de Jean Paul Sartre et le retour de Rodez de l'incontournable Antonin Artaud, autre figure de légende.
Wols et son passé de prestigieux photographe (pas si loin que ça des errances urbaines de Brassaï), son emprisonnement pendant la guerre (comme citoyen allemand) et ses prestigieux choix littéraires (Kafka, Paulhan, Sartre) qui le situait dans cette zone où l'espace des mots est investi par les formes, ou plutôt la fébrilité graphique qui s'enlace aux mots, les détourne, les agresse, se substituant à eux comme chez Henri Michaux, parfois voisin de Wols, sinon que ce dernier prolonge cette errance graphique jusqu'à la blessure quand Michaux y construit une peuplade d'étranges fantômes.
Wols en figure de proue de ce qui sera un véritable mouvement dont Georges Mathieu tirera le meilleur parti en s'appuyant sur son voisinage prestigieux, et Camille Bryen une manière de frère en quête ardente où la poésie se confond avec la peinture.
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1. Saintsonge le 15-03-2010 à 17:36:05 (site)
Il s'agit bien là du dénommé Alfred Otto Wolfgang Schulze, n'est-il pas (1913-1951) ?.. Le pendant de Jean Fautrier, lui-même venu de cet art de Tobey fondé sur l'analyse de la nature plus que d'une "nécessité intérieure", Tobey disant :"notre domaine aujourd'hui n'est ni national ni régional, mais bien plus la compréhension de cette terre unique..." n'est-il pas, cher ami ?.. Et, cet allemand qui vécut en France eût dû plus apporter aux intelligences de l'art européen qu'au nazisme et à la saleté de la milice française, n'est-il pas encore ?.. De bien meilleures formes "multi-évocatrices" de paix !..Ce poème de Wols, je crois : "A Cassis les pierres, les poissons / les rochers vus à la loupe / le sel de la mer et le ciel / m'ont fait oublier l'importance humaine...etc" AH oui, Wols, alors me montrerait "l'éternité dans les petites vagues du port qui se répètent "ici, sur Douarnenez-Tréboul. Mettriez-vous Pollock, après, Matta, Mirô (j'y pense) Action Painting.. AH je me sens moins seul, moins isolé, tout à coup... Bien à vous.
posté le 15-03-2010 à 12:18:29
Balthus, le crayon errant pour Alice.
Autant qu'à Emily Brontë Balthus s'est attaché à Lewis Caroll et fait errer son crayon en pensant à la malicieuse Alice, enfant de l'incongruité et du non-sens.
Tous les ingrédients de cette machine à émerveiller (mais pas seulement) apparaissent, comme en une sorte de catalogue insolite et merveilleux.
L'approche de l'insolite avec des références à la réalité la plus convenue, la plus familière (un chat, un lapin), demande d'autant plus de finesse pour savoir créer une distance, et projeter les personnages au delà du miroir.
Et la question se pose. Un peintre nous tend une composition où nous croyons nous trouver en territoire connu, rassurant, ordinaire, mais peut-être un piège y est-il caché. Rien de la réalité, même la plus convenue, n'échappe à ce léger basculement qui conduit dans une zone où l'on serait perdu (ou enchanté). N'est-ce pas justement le miracle de la peinture de jeter le doute sur ce que l'on croyait connaître ?
Tous les ingrédients de cette machine à émerveiller (mais pas seulement) apparaissent, comme en une sorte de catalogue insolite et merveilleux.
L'approche de l'insolite avec des références à la réalité la plus convenue, la plus familière (un chat, un lapin), demande d'autant plus de finesse pour savoir créer une distance, et projeter les personnages au delà du miroir.
Et la question se pose. Un peintre nous tend une composition où nous croyons nous trouver en territoire connu, rassurant, ordinaire, mais peut-être un piège y est-il caché. Rien de la réalité, même la plus convenue, n'échappe à ce léger basculement qui conduit dans une zone où l'on serait perdu (ou enchanté). N'est-ce pas justement le miracle de la peinture de jeter le doute sur ce que l'on croyait connaître ?
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1. Saintsonge le 15-03-2010 à 13:12:34 (site)
Bien sûr, Balthus... Et, le mystère des "petites filles", de son amour pour elles, avez-vous donc lu, via mon blog... Une autre "chambre", ici...
posté le 13-03-2010 à 15:06:08
Rougerie éditeur de Pierre Albert Birot.
Si les éditeurs "institutionnels" se dérobent, parce qu'elle ne touche pas le grand public, l'oeuvre de Pierre Albert-Birot a toutefois ses fidèles et ses amateurs éclairés. René Rougerie, l'éditeur typographe qui s'est niché dans un ravissant village proche de Limoges (Mortemart) a repris nombre de ses textes et même ceux qui restaient peu connus comme son théâtre (Albert-Birot ne fut-il pas le producteur des "Mamelles de Tirésias" d'Apollinaire, ce qui lui donne un crédit dans le domaine).
Ce genre d'ouvrage à tout petit tirage est sans doute l'écrin le mieux adapté à une oeuvre qui a souvent été éditée par l'auteur lui-même, un praticien de la "presse à bras" qui est l'honneur du poète, son instrument de conquête et à sa mesure. L'intervention directe de la main donne un sens plus profond aux mots. L'oeuvre (comme celle de Restif de la Bretonne qui est un exemple en la matière) sort dans son sens le plus éclairé, le plus dense, d'un contact physique du corps avec le caractère (dont la taille, curieusement, se calcule en "corps").
L'exemple a été repris, maints poètes participent étroitement à l'élaboration de leurs ouvrages, quand ils n'en sont pas les architectes typographes (comme Gaston Puel ).
Pierre Albert-Birot est ainsi particulièrement en harmonie avec l'esprit des éditions de René Rougerie (éditeur, par ailleurs, de l'oeuvre confidentielle de Joé Bousquet).
Ce genre d'ouvrage à tout petit tirage est sans doute l'écrin le mieux adapté à une oeuvre qui a souvent été éditée par l'auteur lui-même, un praticien de la "presse à bras" qui est l'honneur du poète, son instrument de conquête et à sa mesure. L'intervention directe de la main donne un sens plus profond aux mots. L'oeuvre (comme celle de Restif de la Bretonne qui est un exemple en la matière) sort dans son sens le plus éclairé, le plus dense, d'un contact physique du corps avec le caractère (dont la taille, curieusement, se calcule en "corps").
L'exemple a été repris, maints poètes participent étroitement à l'élaboration de leurs ouvrages, quand ils n'en sont pas les architectes typographes (comme Gaston Puel ).
Pierre Albert-Birot est ainsi particulièrement en harmonie avec l'esprit des éditions de René Rougerie (éditeur, par ailleurs, de l'oeuvre confidentielle de Joé Bousquet).
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1. Saintsonge le 13-03-2010 à 15:13:05 (site)
Ah, l'éditeur Rougerie, que j'eus un temps, au téléphone, pour un de mes manuscrits écrit en l'Abbaye d'un moine-ami de moi : - "je ne publie que la liste des noms que je connais sur mon planning"... Ok, ok... A partir de quand est-on connu si jamais "lancé" ?.. N'empêche que j'ai nombre de ses ouvrages blanc-sang de poésie...
posté le 12-03-2010 à 14:49:37
Les Pages du Relais en souvenir de Forneret.
Ce fut une trop courte expérience mais passionnante pour des amateurs que le phénomène de la typographie captive, mais qui restent des amateurs. En fait un métier demandant un long apprentissage et une contrainte physique qui n'est pas dans les possibilités de n'importe qui. Il suffit de voir les gravures anciennes qui racontent la vie d'un atelier d'imprimerie. On y voit un homme, manches retroussées, qui peine sur une machine. Etre imprimeur demande un investissement physique que ne mesurent pas toujours les amateurs, et les fanatiques de bibliophilie.
Voici donc une presse dans la cave du Relais, à la Celle sous Montmirail, un modeste village qui coule ses maisons le long du Petit Morin. On y sent les accords végétaux de chaque saison, y voit passer des troupeaux de ruminants qui vont en pâture. Un paysage d'un autre temps.
L'achat du papier (fait à la main) est déjà une opération délicate qui engage la qualité du tirage. On avait choisi des textes de Claude Bonnefoy (illustration de Gilou Brillant), Dominique Fernandez (illustration de Sergio Birga), Pierre-Albert Birot (illustration de Gianni Bertini), et pour inaugurer l'aventure, des phrases choisies de Xavier Forneret, l'homme qui jouait du violon, la nuit, dans une tour, et que tout Dijon regardait comme une excentrique (qu'il est, Andre Breton ne le nie pas).
La délicate Charlotte Reine avait conçu des miettes de dessin pour soutenir le texte, l'aider à bien tenir dans le blanc de la page.
Aux presses, la vaillance d'Annette Chasserot, mais surtout d'un maître typographe propriétaire de la presse et en connaissant tous les caprices.
Courte expérience, ou il aurait fallu se donner totalement à une entreprise qui demande la ténacité du professionnel. Des compagnons comme Guy Levis Mano, Jean Vodaine, René Rougerie, Bruno Durocher, ces mains à mots qui enchantent le poème.
Voici donc une presse dans la cave du Relais, à la Celle sous Montmirail, un modeste village qui coule ses maisons le long du Petit Morin. On y sent les accords végétaux de chaque saison, y voit passer des troupeaux de ruminants qui vont en pâture. Un paysage d'un autre temps.
L'achat du papier (fait à la main) est déjà une opération délicate qui engage la qualité du tirage. On avait choisi des textes de Claude Bonnefoy (illustration de Gilou Brillant), Dominique Fernandez (illustration de Sergio Birga), Pierre-Albert Birot (illustration de Gianni Bertini), et pour inaugurer l'aventure, des phrases choisies de Xavier Forneret, l'homme qui jouait du violon, la nuit, dans une tour, et que tout Dijon regardait comme une excentrique (qu'il est, Andre Breton ne le nie pas).
La délicate Charlotte Reine avait conçu des miettes de dessin pour soutenir le texte, l'aider à bien tenir dans le blanc de la page.
Aux presses, la vaillance d'Annette Chasserot, mais surtout d'un maître typographe propriétaire de la presse et en connaissant tous les caprices.
Courte expérience, ou il aurait fallu se donner totalement à une entreprise qui demande la ténacité du professionnel. Des compagnons comme Guy Levis Mano, Jean Vodaine, René Rougerie, Bruno Durocher, ces mains à mots qui enchantent le poème.
posté le 12-03-2010 à 14:09:45
Christo dans sa cave.
Christo dans sa cave.
C'était à ses débuts, quand il faisait encore des portraits mondains pour survivre. Il avait amorcé une première intervention "in situ". C'était le barrage, par des tonneaux, de la rue Visconti. La photographie a conservé le souvenir de cet événement (sans photographie une grande part de l'art actuel disparaîtrait).
En revanche, il entreposait dans une cave ses enveloppements, emballages et autres ligatures enserrant les objets dans l'immobilité de la momification.
Ce fut après un agréable dîner chez des amis (ceux du groupe KWY avec lesquels Christo avait des rapports amicaux et suivis). On s'enfonça dans un Paris souterrain et quelque peu inquiétant pour découvrir, entassés, comme d'étranges paquets en voie d'une destination non précisée, les dernières oeuvres de Christo .
Il orna de sérigraphies (avec René Bertolo, Lourdès Castro) un numéro de Sens Plastique justement consacré à ce petit groupe d'artistes qui ne partageaient pas une esthétique commune mais cette audace inventive qui prépare les métamorphoses de l'art et sa survie.
C'était à ses débuts, quand il faisait encore des portraits mondains pour survivre. Il avait amorcé une première intervention "in situ". C'était le barrage, par des tonneaux, de la rue Visconti. La photographie a conservé le souvenir de cet événement (sans photographie une grande part de l'art actuel disparaîtrait).
En revanche, il entreposait dans une cave ses enveloppements, emballages et autres ligatures enserrant les objets dans l'immobilité de la momification.
Ce fut après un agréable dîner chez des amis (ceux du groupe KWY avec lesquels Christo avait des rapports amicaux et suivis). On s'enfonça dans un Paris souterrain et quelque peu inquiétant pour découvrir, entassés, comme d'étranges paquets en voie d'une destination non précisée, les dernières oeuvres de Christo .
Il orna de sérigraphies (avec René Bertolo, Lourdès Castro) un numéro de Sens Plastique justement consacré à ce petit groupe d'artistes qui ne partageaient pas une esthétique commune mais cette audace inventive qui prépare les métamorphoses de l'art et sa survie.
posté le 12-03-2010 à 11:03:17
D.H.Lawrence la peinture au paroxysme.
Le titre choisi par D.H. Lawrence introduit une ambiguïté dans sa vision qui pourrait passer pour l'expression d'une certaine vitalité du corps dans l'exercice de l'érotisme. Des corps en mouvement, en fusion, en confrontation toujours véhémente et sans doute équivoque.
A moins que Lawrence ait voulu souligner le fait que c'est l'érotisme qui est malade, dont il s'efforçait jusque dans les excès, de traduire la beauté passant, selon lui, au delà des préjugés de son temps.
Il est significatif qu'il use d'une écriture picturale vive, voire violente, qui ne cherche pas à camoufler le temps du travail manuel qu'implique le fait de peindre. Comme si la peinture était une sorte de sismographe de sa propre aventure.
C'est l'époque toute entière qui se précipitait ainsi dans une peinture d'action, d'accents. Mais, le plus souvent, pour exprimer un désarroi, plus souvent encore un certain mal à vivre (la fameuse difficulté d'être).
C'est bien l'interprétation complexe, de la peinture expressionniste allemande (Kirchner, Schimdt-Rottluf, Heckel ) et même du fauvisme français (Vlaminck) où la violence peut être, tour à tour, geste de colère et élan vital (voire amoureux).
C'est quand elle est neutre (lisse, ayant camouflé tout le travail, pictural) que la peinture n'est que l'image qu'elle présente, comme une sorte de théâtre mental.
On la trouvera aujourd'hui fade, habitués que nous sommes à une peinture révélant son phénomène d'élaboration, en jouant souvent, comme supplément d'expression.
La modernité de D.H. Lawrence (mais est-elle forcément nécessaire ?) c'est cette ardeur dans l'acte même de peindre, au point tel qu'il nous fait presque participer à ce qu'il raconte. Il ne le montre pas avec de fausses pudeurs, des précautions, mais nous jette à la figure l'élan vital, le sexe triomphant.
A moins que Lawrence ait voulu souligner le fait que c'est l'érotisme qui est malade, dont il s'efforçait jusque dans les excès, de traduire la beauté passant, selon lui, au delà des préjugés de son temps.
Il est significatif qu'il use d'une écriture picturale vive, voire violente, qui ne cherche pas à camoufler le temps du travail manuel qu'implique le fait de peindre. Comme si la peinture était une sorte de sismographe de sa propre aventure.
C'est l'époque toute entière qui se précipitait ainsi dans une peinture d'action, d'accents. Mais, le plus souvent, pour exprimer un désarroi, plus souvent encore un certain mal à vivre (la fameuse difficulté d'être).
C'est bien l'interprétation complexe, de la peinture expressionniste allemande (Kirchner, Schimdt-Rottluf, Heckel ) et même du fauvisme français (Vlaminck) où la violence peut être, tour à tour, geste de colère et élan vital (voire amoureux).
C'est quand elle est neutre (lisse, ayant camouflé tout le travail, pictural) que la peinture n'est que l'image qu'elle présente, comme une sorte de théâtre mental.
On la trouvera aujourd'hui fade, habitués que nous sommes à une peinture révélant son phénomène d'élaboration, en jouant souvent, comme supplément d'expression.
La modernité de D.H. Lawrence (mais est-elle forcément nécessaire ?) c'est cette ardeur dans l'acte même de peindre, au point tel qu'il nous fait presque participer à ce qu'il raconte. Il ne le montre pas avec de fausses pudeurs, des précautions, mais nous jette à la figure l'élan vital, le sexe triomphant.
Commentaires
1. Saintsonge le 12-03-2010 à 14:03:13 (site)
"la beauté malade" me ravit comme titre , ayant souvent affirmé, à vous , je peux l'écrire : c'est la sexualité qui a un problème avec moi, non moi avec elle ou/ET l'étroite corrélation érotique !..
posté le 12-03-2010 à 10:15:17
Louis Hourticq plaide pour l'identité française.
L'identité française vue par l'art.
Plus que jamais, et jusque dans les limites qu'elle s'impose, l'étude de Louis Hourticq consacré au "Génie de la France" est d'actualité.
Hourticq est considéré comme totalement dépassé et sa méthode peut aujourd'hui connaître une défaveur devant l'émergence d'une critique de l'art qui fait la part belle à l'auteur. Une personnalisation du discours critique (ou historique) ouvre de nouveaux horizons mais relève du relatif, de l'arbitraire. N'apprécie-t-on une oeuvre qu'à travers le regard (fut-il percutant) d'une forte personnalité qui naturellement en infléchira le sens en fonction de ses propres critères. Cela va de la remarquable synthèse d'un Elie Faure à des textes de Georges Bataille, André Breton, Apollinaire, qui, tous, regardent l'art avec le regard de "l'écrivain" ce qui n'est pas le cas de Louis Hourticq, offrant en revanche une illustration de ses textes avec ses propres dessins des oeuvres citées, ce qui est une manière d'approche plus attentive.
D'invoquer le "génie de la France" va, naturellement, à l'encontre de notre vision planétaire de l'art aujourd'hui, (Malraux n'y est pas pour rien). Invoquer un génie en fonction d'un territoire, d'un résultat de l'Histoire (qui façonne le territoire), et cerner une culture (donc une tradition) en la balisant d'une aussi stricte manière, interdit un regard global, qui explique les vastes mouvements d'influence, la circulation enrichissante des idées, l'évolution des formes.
Enfermer l'art dans une sorte de bastion mental n'est pas sans risque, il est pourtant aussi une manière de spécifier une culture, lui donner toute sa force. Surtout si elle est menacée.
Plus que jamais, et jusque dans les limites qu'elle s'impose, l'étude de Louis Hourticq consacré au "Génie de la France" est d'actualité.
Hourticq est considéré comme totalement dépassé et sa méthode peut aujourd'hui connaître une défaveur devant l'émergence d'une critique de l'art qui fait la part belle à l'auteur. Une personnalisation du discours critique (ou historique) ouvre de nouveaux horizons mais relève du relatif, de l'arbitraire. N'apprécie-t-on une oeuvre qu'à travers le regard (fut-il percutant) d'une forte personnalité qui naturellement en infléchira le sens en fonction de ses propres critères. Cela va de la remarquable synthèse d'un Elie Faure à des textes de Georges Bataille, André Breton, Apollinaire, qui, tous, regardent l'art avec le regard de "l'écrivain" ce qui n'est pas le cas de Louis Hourticq, offrant en revanche une illustration de ses textes avec ses propres dessins des oeuvres citées, ce qui est une manière d'approche plus attentive.
D'invoquer le "génie de la France" va, naturellement, à l'encontre de notre vision planétaire de l'art aujourd'hui, (Malraux n'y est pas pour rien). Invoquer un génie en fonction d'un territoire, d'un résultat de l'Histoire (qui façonne le territoire), et cerner une culture (donc une tradition) en la balisant d'une aussi stricte manière, interdit un regard global, qui explique les vastes mouvements d'influence, la circulation enrichissante des idées, l'évolution des formes.
Enfermer l'art dans une sorte de bastion mental n'est pas sans risque, il est pourtant aussi une manière de spécifier une culture, lui donner toute sa force. Surtout si elle est menacée.
Commentaires
1. Saintsonge le 12-03-2010 à 10:36:04 (site)
Ce livre pourrait faire pendant à la réédition chez Fayard de "la ritalade" d'aigues-mortes, trop d'italiens sur le sol français de... 1893 prouvent que la notion "d'identité nationale" ne date pas du soulèvement d'aujourd'hui ni de l'époque d'Hourticq, je pense, ce massacre d'anomie (mot de Durkeim) précise la xénophobie très tôt ancré dans la mémoire humaine, la rupture sociale n'aidant en rien (il y eut l'affaire dreyfus pas loin... de cette "rafle" d'italiens...)... à la cantonade, presque... Car qui le sait encore ?
posté le 11-03-2010 à 11:28:21
Alfred de Musset un Héliogabale de boulevard.
L'Héliogabale des boulevards.
"Il pardonnait à Alexandre d'avoir brûlé Persépolis pour donner le spectacle à une courtisane. Il aimait Sylla parce qu'il était heureux. Héliogabale ne lui déplaisait pas, vu de loin, dans sa robe de prêtre du soleil, César Borgia lui-même trouvait grâce à cause de sa mule ferrée d'or" .
Paul de Musset, complaisant biographe de son frère, lui pardonne ses excès ou, pour les excuser, les pare des prestiges de l'Histoire ou de la légende.
Pourtant, Alfred, entraîné dans le cycle infernal de sa débauche, dépasse les limites et se plaît à défier l'opinion et ses amis (Sainte-Beuve, Viel-Castel, Delacroix) proposant des "baises jusqu'à satiété" dans un décorum falsifié et ostentatoire. Au point de fasciner, bien après, J.K.Huysmans, fort amateur de ce type de personnage qui voit en lui, un descendant de Sade ou des petits chroniqueurs du XVIII° siècle, amateurs d'alcôve. Musset aime les fréquenter, s'y épuiser entre jouissance et souffle de la mort, comme l'illustre son texte Gamiani, longtemps considéré comme un classique de la littérature érotique. L'amour n'est pas chez lui aussi léger que la légende le veut, qui le voit musarder, mais ce n'est pas sans un certain cynisme et une frénésie qui le fait passer sans effort de la duchesse à la grisette, ponctuant son "tableau de chasse" de quelques figures pourtant touchantes qu'il maltraite avec une terrible cruauté. Certains témoignages (dont celui de Louise Collet qui fut aussi le grand amour de Gustave Flaubert) donnerait à croire qu'il fut en partie impuissant. Ceci expliquant cela ?
Il y a une étrange dualité dans l'érotisme de Musset qui n'échappe pas à la fascination de la mort. Penserait-on à Georges Bataille chantre d'un érotisme marqué du signe de la souffrance et de la mort ?
"Il pardonnait à Alexandre d'avoir brûlé Persépolis pour donner le spectacle à une courtisane. Il aimait Sylla parce qu'il était heureux. Héliogabale ne lui déplaisait pas, vu de loin, dans sa robe de prêtre du soleil, César Borgia lui-même trouvait grâce à cause de sa mule ferrée d'or" .
Paul de Musset, complaisant biographe de son frère, lui pardonne ses excès ou, pour les excuser, les pare des prestiges de l'Histoire ou de la légende.
Pourtant, Alfred, entraîné dans le cycle infernal de sa débauche, dépasse les limites et se plaît à défier l'opinion et ses amis (Sainte-Beuve, Viel-Castel, Delacroix) proposant des "baises jusqu'à satiété" dans un décorum falsifié et ostentatoire. Au point de fasciner, bien après, J.K.Huysmans, fort amateur de ce type de personnage qui voit en lui, un descendant de Sade ou des petits chroniqueurs du XVIII° siècle, amateurs d'alcôve. Musset aime les fréquenter, s'y épuiser entre jouissance et souffle de la mort, comme l'illustre son texte Gamiani, longtemps considéré comme un classique de la littérature érotique. L'amour n'est pas chez lui aussi léger que la légende le veut, qui le voit musarder, mais ce n'est pas sans un certain cynisme et une frénésie qui le fait passer sans effort de la duchesse à la grisette, ponctuant son "tableau de chasse" de quelques figures pourtant touchantes qu'il maltraite avec une terrible cruauté. Certains témoignages (dont celui de Louise Collet qui fut aussi le grand amour de Gustave Flaubert) donnerait à croire qu'il fut en partie impuissant. Ceci expliquant cela ?
Il y a une étrange dualité dans l'érotisme de Musset qui n'échappe pas à la fascination de la mort. Penserait-on à Georges Bataille chantre d'un érotisme marqué du signe de la souffrance et de la mort ?
Commentaires
1. horizon66 le 11-03-2010 à 11:37:21 (site)
Bonjour, j'ai grand plaisir à venir te lire.Belle journée ä toi. Stéphane
posté le 11-03-2010 à 10:41:28
Cécile Miguel mal encadrée.
Cécile Miguel mal encadrée.
L'oeuvre est calme et tranquille, l'image d'un sage bonheur, évoquant quelque maison de campagne où la vie s'écoule au rythme des saisons (le peintre Bollo, aujourd'hui presque oublié retrouve, lui aussi, cette expression d'une sagesse rustique et paisible). Cécile Miguel donne là toute la mesure d'un art qui ne veut rien démontrer, s'affiche avec une innocence d'autant plus louable qu'à la même époque on fustige la réalité, s'épanche en violence gestuelle. Elle même d'ailleurs s'y adonnera quelques années après, dans son mas ensoleillé de Saint Etienne du Grès, qui portait un nom si peu conforme à sa réalité : Le mas du diable.
Figurative, et sur la fin de le demeurer, Cécile Miguel donne une image d'une séduction modeste et intime, appelant une approche à sa mesure.
Le cadre qui est censé mettre en valeur ce tableau d'une rare fraîcheur est une hérésie. Il était à la mode dans les années 50, et on enfermait volontiers les plus subtiles, les plus délicates, les plus aériennes évocations, avec cette pesante cage d'un faux luxe. Les galeries qui n'avaient pas encore réussies leur virage vers la rigueur du décor que suppose la présentation d'un art aussi raffiné et porteur de libres suggestions, se présentaient comme des salons de cocottes ou de concierges enrichies (pardon pour les concierge, il n'y en a plus !). On y présentait sur des chevalets disposés d'harmonieuse façon, des compositions qui se dégageaient mal de l'amateurisme petit bourgeois. Mais l'encadrement signait la marchandise. Un mauvais goût partagé.
L'oeuvre est calme et tranquille, l'image d'un sage bonheur, évoquant quelque maison de campagne où la vie s'écoule au rythme des saisons (le peintre Bollo, aujourd'hui presque oublié retrouve, lui aussi, cette expression d'une sagesse rustique et paisible). Cécile Miguel donne là toute la mesure d'un art qui ne veut rien démontrer, s'affiche avec une innocence d'autant plus louable qu'à la même époque on fustige la réalité, s'épanche en violence gestuelle. Elle même d'ailleurs s'y adonnera quelques années après, dans son mas ensoleillé de Saint Etienne du Grès, qui portait un nom si peu conforme à sa réalité : Le mas du diable.
Figurative, et sur la fin de le demeurer, Cécile Miguel donne une image d'une séduction modeste et intime, appelant une approche à sa mesure.
Le cadre qui est censé mettre en valeur ce tableau d'une rare fraîcheur est une hérésie. Il était à la mode dans les années 50, et on enfermait volontiers les plus subtiles, les plus délicates, les plus aériennes évocations, avec cette pesante cage d'un faux luxe. Les galeries qui n'avaient pas encore réussies leur virage vers la rigueur du décor que suppose la présentation d'un art aussi raffiné et porteur de libres suggestions, se présentaient comme des salons de cocottes ou de concierges enrichies (pardon pour les concierge, il n'y en a plus !). On y présentait sur des chevalets disposés d'harmonieuse façon, des compositions qui se dégageaient mal de l'amateurisme petit bourgeois. Mais l'encadrement signait la marchandise. Un mauvais goût partagé.
Commentaires
1. Saintsonge le 11-03-2010 à 14:39:04 (site)
C'est pareil à une intelligence humaine talentueuse entourée que par de petits esprits qui l'attirent vers le bas, en se moquant délibérément de ce qu'il détruise en elle, saura-t-elle, un jour, à sa juste valeur, être reconnue comme belle oeuvre d'âme pure dans ce gâchis d'époque où le moins-que-rien réussit quand on obscurcit les vraies richesses spirituelles ?
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